Tributo al baterista jamaicano cuyo ‘estilo rockers’ revolucionó la música. De la mano de Robbie Shakespeare, formó el dúo rítmico más influyente, dejando su huella en miles de canciones y colaborando con estrellas globales como Grace Jones y los Rolling Stones. Su legado es la ciencia del groove.
Pier Tosi
La definición de baterista es ciertamente reductiva cuando se habla del jamaicano Sly Dunbar, una de las figuras más importantes de la historia del reggae y el mayor embajador del enfoque rítmico de la isla al mundo a través de sus numerosas colaboraciones con figuras más o menos famosas de otros ámbitos.
Las descripciones más apropiadas serían las de un explorador o un científico del ritmo: durante décadas, Sly dejó su huella rítmica en miles y miles de canciones de reggae (se estima que a finales de la década de 1970, el noventa por ciento de la vasta producción musical de la isla incluía su batería), creando muchas nuevas tendencias con su actitud y sus manos.
Nacido el 10 de mayo de 1952, se enamoró del sonido ska de los Skatalites de niño y pronto decidió convertirse en baterista profesional. Abandonó la escuela y adoptó las enseñanzas de sus primeros mentores, Carlton Barrett de los Upsetters (posteriormente baterista de Bob Marley) y Mickey Boo Richards de la Now Generation.
Sus debuts en el estudio fueron memorables: el jovencísimo Sly se asoció con el teclista Ansel Collins y, con poco menos de 16 años, grabó “Night Doctor”. Ansel vendió la canción a Lee Perry, quien la lanzó en el Reino Unido como The Upsetters, alcanzando el éxito entre el público mod y skinhead.
Poco menos de un año después, regresó al estudio con Ansel y el vocalista Dave Barker y tocó la batería en “Double Barrell”, una canción que alcanzó el número uno en las listas de éxitos del Reino Unido en marzo de 1971.
Entre las bandas juveniles de las que formó parte, su experiencia más importante fue con Skin, Flesh & Bones. La banda destacó por su versión reggae de “Here I Am Baby” de Al Green, interpretada por el magnífico Al Brown, y por ser una de las mejores bandas de acompañamiento del momento, llegando incluso a realizar una gira por el Reino Unido con Dennis Brown.
El joven baterista se convirtió en la opción predilecta de productores como Niney The Observer, Joe Gibbs y Sonia Pottinger.
En 1973, conoció al bajista Robbie Shakespeare. Se dio cuenta de que compartían la pasión por el soul y el funk/disco, así como un don para la experimentación sonora. Pronto se hicieron inseparables y, con el paso de las décadas, el dúo Sly & Robbie se convirtió en sinónimo de altos estándares de calidad e innovación.
En 1976, Sly se convirtió en el baterista de The Revolutionaries, la banda interna de los recién formados estudios Channel One, propiedad de la familia Hoo-Kim de origen chino. Experimentando en el estudio con Jo Jo Hoo-Kim, duplicó el ritmo del reggae con los bordes de la caja, dando gran incisividad a un nuevo patrón rítmico que él llamó “estilo rockers”, definiendo por completo su época.
Quienes escuchan estos ritmos por primera vez piensan que son el resultado de ecos dub y no simplemente tocados por Sly con sus baquetas.
Algunos escriben que el “estilo rockers” refleja en el disco el crepitar de las ametralladoras que resonaban en Kingston durante la guerra civil política que azotaba Jamaica en aquel entonces.
El primer ejemplo de esto es el álbum “Right Time” (1976) de Mighty Diamonds, un clásico instantáneo que abre una prolífica serie de grabaciones en álbumes de cantantes y grupos, así como temas instrumentales y dub para Channel One.
Todo sucedió muy rápido: Sly & Robbie también fundaron su propio sello, Taxi, cuyo primer gran éxito fue “Soon Forward” de Gregory Isaacs en 1979. Sin embargo, unos años antes, se convirtieron en la sección rítmica de Word, Sound & Power, la banda de acompañamiento de Peter Tosh.
El legendario cantante dio amplio espacio en su producción solista a los experimentos rítmicos de los “gemelos rítmicos”, cuyos frutos se pueden apreciar en obras maestras como “Bush Doctor” y “Mystic Man”.
Amigo personal de Jagger y Richards, Tosh grabó para Rolling Stones Records y fue telonero de los Stones en varias giras mundiales. Estas experiencias en grandes estadios de Europa y Estados Unidos fueron cruciales para Sly & Robbie, quienes se dieron cuenta de que, en estos contextos, el sonido relativamente ligero de una banda de reggae no podía competir con el volumen fogoso del rock.
Atesorarían esta lección en su siguiente experiencia, la trayectoria que llevaría a Black Uhuru a convertirse en el grupo de reggae más aclamado del mundo tras la muerte de Bob Marley.
Las canciones ásperas y militantes del grupo se verían contrapuestas a un sonido potente, con influencias del rock, incisivo, cortante y con tintes dub, que ambos denominaron “the cutting edge”, que ya aparecía en “Showcase”, un álbum distribuido mundialmente por Island Records en 1980.
La increíble racha de álbumes del grupo, de 1980 a 1983, sentó las bases del reggae futuro. Durante esos años, Black Uhuru abrió conciertos para los Rolling Stones, pero su progresiva conquista global se vio frenada por una disputa interna y la salida del cantante Michael Rose después de que su álbum “Anthem” ganara el primer premio Grammy en la categoría de reggae.
El grupo continuó existiendo con el joven Junior Reid reemplazando a Michael Rose, pero el sonido nunca sería el mismo sin el toque lírico de Rose.
Sin embargo, en medio de todo esto, Sly & Robbie continuaron trabajando en estudios en Jamaica para diversos productores, a veces siguiendo sus instrucciones precisas, pero a menudo realizando importantes contribuciones creativas.
El siguiente paso del jefe de la Island, Chris Blackwell, fue abrir nuevos estudios de vanguardia en las Bahamas que pudieran alcanzar un estatus similar al de lugares sagrados de la música como Fame Studios, Electric Ladyland o Abbey Road.
Con Compass Point Studios, Blackwell también buscaba crear un entorno donde artistas de diversos géneros pudieran grabar música, infundiendo en su música un sabor negro, y específicamente caribeño, mediante un equipo de músicos, Compass Point All Stars, liderado por los propios Sly & Robbie.
Robert Palmer, Tom Tom Club e Ian Dury pasaron por el estudio, pero la artista más exitosa asociada a estos estudios fue la jamaiquina Grace Jones, con quien colaboraron en tres álbumes memorables, que abarcan el reggae y el funk futurista, con los ritmos sólidos de los gemelos rítmicos, la voz gélida de Grace y los sintetizadores de Wally Badarou.
La excepcional calidad del material de Black Uhuru y Grace Jones impulsó la reputación global de Sly & Robbie, posicionándolos entre los músicos rítmicos más respetados del mundo. Durante las dos décadas siguientes, colaboraron con artistas como los Rolling Stones, Bob Dylan, Bill Laswell, The Fugees, KRS One, Herbie Hancock, Madonna, Jon Armatrading, Sinead O’Connor, No Doubt e incluso los italianos Francesco De Gregori y Jovanotti.
En la década de 1980, produjeron un reggae espectacular en Jamaica con artistas como Ini Kamoze, Dennis Brown y muchos otros.
A mediados de la década, el reggae se digitalizó por completo y, gracias a su instinto y amplia experiencia como instrumentistas analógicos, ambos lograron resultados extraordinarios programando cajas de ritmos y secuenciadores, a la vez que impregnaban el sonido de gran calidez y ritmo. En la escena dancehall, esto se hace evidente en “Murder She Wrote” de Chaka Demus & Pliers (1991), un gran éxito en aquel momento y aún aclamado como una de las cumbres del género.
Continuaron trabajando hasta el fallecimiento de Robbie Shakespeare en 2021 con el mismo espíritu visionario de siempre, explorando diversas direcciones sonoras y produciendo a diversos artistas, fusionando sus ritmos con el folclore latinoamericano y asiático, o grabando hermosos álbumes de dub.
Entre sus últimos logros se encuentran los diversos álbumes publicados con la versátil cantante de Birmingham, Bitty McLean, y diversas giras mundiales como The Legends of Reggae junto a dos maestros del jazz jamaicano, Ernest Ranglin y Monty Alexander.
Traducción de Revuelta Radio
